Les femmes qui ont ouvert la voie aux créatrices de bijoux d’aujourd’hui

Si tu penses que faire carrière en tant que créatrice de bijoux est un défi aujourd’hui, imagine ce que c’était il y a 50 ans, lorsque le mouvement des femmes commençait à s’enflammer – ou il y a un siècle, lorsque les suffragettes se battaient dans les rues pour obtenir notre droit de vote.

Pourtant, les bijoux sont une forme d’art pour laquelle les femmes ont toujours eu une affinité naturelle. Nous sommes les premières à les porter, après tout, et les bijoux sont souvent étroitement liés à la mode. Concevoir et fabriquer des bijoux est un métier qui nécessite un œil aiguisé et peu de muscles. Il peut être pratiqué discrètement derrière des portes closes. Le plus souvent, au cours de l’histoire, un homme se tenait à ces portes et dirigeait l’entreprise.

Il y a probablement beaucoup de choses que nous ne savons pas (et que nous ne saurons peut-être jamais) sur l’histoire des femmes bijoutières. Mais nous savons que les femmes influençaient ce que d’autres femmes portaient comme couronne, au moins depuis le milieu du 19e siècle.

Voici un aperçu de ma longue série « Les femmes qui ont ouvert la voie », afin que tu puisses parcourir cette période charnière au cours de laquelle les femmes bijoutières sont sorties de l’ombre pour façonner la conception des bijoux et l’industrie de la bijouterie telle que nous la connaissons.

Charlotte Isabella Newman (1836-1920)

Elle a ouvert la voie aux femmes qui ont ouvert la voie. On l’appelait Mme Newman.

Lançant sa carrière dans les années 1860, à une époque où le commerce et la fabrication de bijoux étaient réservés aux hommes, Charlotte Newman a produit des bijoux recherchés et, finalement, a dirigé sa propre boutique sur Savile Row. Même au sommet de sa carrière, avec des médailles à son actif et des hommes à son service, elle répondait au nom de son mari et estampillait ses bijoux « Mrs N. »

De nos jours, cette marque est devenue hautement collectionnable, et il est probable qu’elle le devienne encore plus.

Au moment où ce pendentif a été fabriqué, Mme Newman produisait des bijoux depuis au moins 25 ans et dirigeait sa propre boutique depuis six ans. Les historiens de la bijouterie considèrent Charlotte Isabella Newman comme la première femme bijoutière d’atelier importante. Active à Londres pendant les quatre dernières décennies du 19e siècle, elle a commencé à travailler pour le bijoutier John Brogden.

Charlotte Newman a appris son métier à la Government Art School de South Kensington avant de devenir l’assistante de Brogden, qui a hérité d’une entreprise familiale créée en 1796. Certains pensent que Mme Newman produisait des bijoux avant que sa propre marque n’apparaisse. Lorsque ce bracelet en améthyste portant la marque de Brogden et datant des années 1870 a été mis en vente chez Sotheby’s Londres en 2007, la description du catalogue suggérait que Mme Newman y avait peut-être participé.

Orfèvre chevronnée, Charlotte Newman avait le don de produire des bijoux exquis dans toute une gamme de styles anciens, du byzantin au renouveau de la Renaissance, d’une manière qui correspondait aux goûts du moment. Étant donné la soif de bijoux archéologiques dans l’Angleterre victorienne, cela faisait d’elle un atout précieux.

Elle expose avec Brogden à Paris en 1867 et en 1878, année où il reçoit la Légion d’Honneur, et reçoit même une médaille d’honneur en tant que collaboratrice.

Après la mort de Brogden en 1884, elle crée sa propre entreprise en conservant de nombreux artisans qui avaient travaillé pour lui. Sa carte de visite se lit comme suit : « Mrs. Newman, Goldsmith and Court Jeweller, 10 Savile Row, London ».

« Elle tenait une boutique et avait des hommes qui travaillaient pour elle », explique Elyse Zorn Karlin, qui a coorganisé Maker & Muse. « C’était assez inhabituel à l’époque ».

Jeanne Poiret Boivin (1871-1959)

Lorsque la maison de joaillerie parisienne de René Boivin est devenue célèbre, René était parti depuis longtemps. C’est sa veuve Jeanne Poiret Boivin qui est à la tête de l’entreprise.

Jeanne Boivin a choisi d’employer des créatrices et, ce faisant, a développé un style fort mais féminin sous le nom Boivin – et a mis quelques autres femmes sur la carte par la même occasion.

Elle était la femme derrière l’homme dont le nom figure sur tant de bijoux qu’il n’a jamais vus.

Jeanne Poiret Boivin a vécu dans l’ombre de deux grands créateurs parisiens, son frère Paul Poiret, couturier, et son mari René Boivin. Jeanne avait elle-même de grands yeux et s’est révélée être une femme d’affaires compétente, dirigeant seule la société pendant ses quatre décennies les plus célèbres.

René Boivin, un orfèvre expérimenté, a fondé la société en 1891, mais son mariage avec Jeanne Poiret deux ans plus tard lui a permis d’entrer dans le monde de la mode par l’intermédiaire de son frère, Paul Poiret, le couturier le plus célèbre de Paris dans les années qui ont précédé la Première Guerre mondiale.

Tu peux voir une esthétique commune dans les bijoux produits par la société de sa sœur, notamment un goût pour les thèmes, les couleurs et les matériaux exotiques, une passion pour l’Orient et le Moyen-Orient.

« La maison René Boivin est un peu mal nommée à mon avis », explique Dianne Lewis Batista, experte en joaillerie. « René Boivin est mort en 1917 à l’âge de 53 ans, au sommet de sa carrière. C’est à sa femme qu’il faut attribuer une grande partie de l’incroyable renommée de la firme. »

Ayant perdu son fils et son mari pendant la guerre, Jeanne Boivin avait deux jeunes filles à charge. Elle n’avait guère d’autre choix que de reprendre l’entreprise, en employant d’autres personnes pour dessiner ses modèles. « Elle savait comment les bijoux devaient être portés et, comme son frère, avait un bon sens du style », explique Batista. « Son travail a précédé son époque ».

Il est presque impossible aujourd’hui de trouver un bijou fabriqué par la maison René Boivin alors que René Boivin vivait. Bien qu’il ait aidé sa femme à jeter les bases de l’entreprise et de son esthétique, la marque de collection que nous connaissons aujourd’hui a été créée par Jeanne Boivin et les designers qu’elle employait, d’abord Suzanne Belperron, puis Juliette Moutard. Ensemble, ils ont créé le look distinctif pour lequel la maison est devenue célèbre : des bijoux audacieux et colorés qui vont au-delà de la géométrie sévère du style déco.

Jeanne Toussaint (1887-1978)

Jeanne Toussaint a eu un impact considérable sur la conception des bijoux pendant les décennies où elle a dirigé le département des bijoux de luxe de Cartier, dont elle a pris la tête en 1933. Sous sa direction, à la fin des années 1930, Cartier commence à s’éloigner des conceptions abstraites du style déco pour se tourner vers des œuvres figuratives telles qu’une série de coccinelles en laque noire et des broches en forme de tête d’Indien d’Amérique.

C’est également à elle que l’on doit les oiseaux fantaisistes de Cartier. Le plus célèbre est l’oiseau en cage que Cartier a introduit en 1940, symbole de la résistance contre l’occupation nazie, et la version qui est apparue dans les vitrines de Cartier quelques jours après la libération de Paris : l’oiseau prêt à s’envoler, la porte de la cage ouverte.

« Elle estimait que les bijoux devaient être basés sur la joie », explique la marchande de bijoux Dianne Lewis-Batista. « Quel meilleur sujet que les oiseaux ? » Les perroquets exotiques et les flamants roses étaient le point fort de Toussaint, tout comme les panthères – une image pour laquelle Cartier est connue à ce jour.

Surnommée « la panthère », Toussaint s’identifiait manifestement à ce prédateur aux lignes pures. Son appartement était rempli de leurs peaux et elle portait des manteaux de panthère. Les bijoux de panthère ont touché une corde sensible chez d’autres femmes au caractère bien trempé de l’époque. Parmi les personnes qui les portaient : Barbara Hutton, la duchesse d’Agha Khan et la duchesse de Windsor (qui possédait les deux pièces photographiées ci-dessus).

Suzanne Belperron (1887-1983)

Suzanne Belperron a perfectionné ses talents de designer pendant 14 ans à la maison René Boivin. En 1933, désireuse d’être reconnue pour ses propres créations, elle part travailler pour le négociant en pierres précieuses Bernard Herz, qui fournit Boivin depuis 1912. Il donne à Belperron carte blanche pour concevoir tout ce qu’elle veut sous son propre nom. Ensemble, ils ont transformé son entreprise et sa réputation de créatrice en une marque de bijoux éponyme.

Lorsque Belperron a quitté Boivin, elle a emporté non seulement son expérience en matière de design, selon certains, mais aussi quelques modèles. Audrey Friedman, qui collectionne et vend les bijoux de Belperron dans sa galerie Primavera à Manhattan, a vu des pièces presque identiques, parfois avec les marques de Boivin, parfois avec celles de Belperron. Cela peut s’expliquer en partie par le fait que Juliette Moutard, qui a pris sa place en tant que créatrice en chef, a mis quelques années à développer son propre style.

Moutard a établi sa propre esthétique chez René Boivin dans les décennies qui ont suivi. Il en est de même pour Belperron, qui s’est forgé une réputation internationale qui ne cesse de croître.

Les pièces signature de Belperron présentent des matières gemmes inhabituelles, souvent taillées au cabochon ou sculptées dans des formes fluides, élevées sur des métaux précieux de haute joaillerie, parfois des diamants. « Son talent pour concevoir des bijoux consistait à combiner et à manipuler des matériaux », explique Friedman. « Elle avait un faible pour les matériaux non précieux – agate, cristal de roche, calcédoine et citrine – et en faisait le point central d’une pièce. Son travail était très personnel et très spectaculaire. »

Après l’occupation de Paris, Herz, juif, est arrêté et emmené à Auschwitz, où il meurt en 1943. Lorsque son fils Jean revient à Paris deux ans plus tard, après avoir survécu en tant que prisonnier de guerre, Belperron le prend comme associé. Ensemble, ils dirigent Herz-Belperron jusqu’en 1974.

La demande de bijoux Belperron ne cesse de croître. Au cours des deux dernières décennies, elle a vraiment décollé. Suzanne Belperron est aujourd’hui l’une des créatrices les plus collectionnées du 20e siècle.

Elsa Schiaparelli (1890-1973)

Elsa Schiaparelli a fermé sa boutique à Paris il y a près de six décennies, mais ses créations fantaisistes semblent toujours aussi avant-gardistes. Lady Gaga pourrait porter son chapeau à chaussures sur scène que personne ne sourcillerait.

Schiaparelli, ou « Schiap », comme on l’appelait (prononcez Skap), était bien en avance sur son temps. Ses chaussures-chapeaux, conçues à partir d’un croquis de Salvador Dalí, sont apparues pour la première fois dans sa collection 1937/1938. Schiaparelli partageait le sens de l’humour et l’amour des jeux de mots visuels de Dali, ainsi que son désir de choquer et de divertir. Il fournissait les jeux de mots et les images emblématiques ; elle parvenait à les rendre absurdes et chics à la fois. Peu après ces collaborations, Dalí commence sérieusement à concevoir ses propres bijoux.

Schiaparelli a travaillé entre 1920 et 1954, mais son apogée a été la décennie précédant la guerre. Elle a puisé dans tous les mouvements artistiques populaires de son époque, notamment le modernisme, le futurisme, le cubisme, le déco, l’art africain, mais elle était particulièrement attirée par le surréalisme. Outre Dalí, Jean Cocteau et Albert Giacometti ont collaboré à ses créations. Cecil Beaton et Man Ray les ont photographiés. Tous la considéraient comme une amie et une égale.

Lorsqu’Elsa Schiaparelli lance sa première folie de la mode en 1927 – des pulls avec des nœuds en trompe-l’œil – elle n’a aucune formation en design vestimentaire. Deux ans plus tard, elle habillait les femmes les plus glamour du monde et bousculait les conventions de la mode avec ses couleurs audacieuses et ses créations soucieuses du corps. Greta Garbo, Joan Crawford, Marlene Dietrich et Katharine Hepburn ont porté ses costumes moulants, ses pantalons masculins et ses chapeaux arrogants.

Elsa Schiaparelli a également créé des bijoux fantaisie et des accessoires mémorables, notamment le collier (ci-dessus) qui donnait l’impression à celle qui le portait qu’une parade d’insectes rampait autour de sa gorge. Ses créations de bijoux ont probablement commencé avec les attaches qu’elle a conçues pour ses vêtements à partir de bois, de porcelaine, de celluloïd, de verre, de cristal, d’ambre, de jade blanc, de cire à cacheter – des boutons en forme de lacets, d’escargots, de toupies, de cadenas, d’écrous et de boulons, de grains de café, de sucettes, de cacahuètes, de cuillères, de fruits et de légumes.

« Elle est responsable du sentiment de jeunesse spontanée qui s’est glissé dans tout », s’extasiait Vogue en 1935.

Marianne Ostier (1902-1976)

Marianne Ostier était la principale créatrice d’Ostier, Inc, une entreprise de joaillerie qu’elle dirigeait avec son mari, Oliver Ostier, dans le Manhattan du milieu du siècle dernier. Lauréate de nombreux prix prestigieux pour la conception de diamants, Ostier était connue pour ses montages aléatoires et ses textures organiques qui reflètent sa formation d’artiste.

Marianne Ostier a étudié à l’Académie des arts et métiers de Vienne et pratiquait la peinture et la sculpture lorsqu’elle a rencontré son mari, connu à l’époque sous le nom d’Otto Oesterreicher, un bijoutier de cour de troisième génération en Autriche. Ils sont arrivés aux États-Unis en 1938, après l’annexion de l’Autriche par les nazis, et ont lancé une entreprise de bijouterie sous leur nouveau nom.

Plusieurs bijoux d’Ostier ont été vendus bien au-delà des estimations chez Sotheby’s l’année dernière, y compris un diadème en diamants qui a atteint 225 000 dollars, fabriqué pour la royauté européenne avant la guerre. Il illustre à la fois la fluidité avec laquelle Ostier maniait les diamants et le platine, et les liens royaux que les Ostier entretenaient lorsqu’ils ont débarqué dans l’État. Une autre pièce en diamant et en platine de cette vente aux enchères montre la créatrice 17 ans plus tard, à son apogée de la modernité du milieu du siècle.

C’est sur les côtes américaines que Marianne Ostier a développé un style très différent, impliquant des formes moins symétriques et plus organiques – et une maîtrise tout aussi étonnante de l’or. Son collier spectaculaire « Voodoo », composé de franges en or 18 carats et d’émeraudes cabochons, entrecoupées de platine serti de diamants, ressemble à une algue très luxueuse et a dû faire sensation lors de sa première présentation.

Margaret De Patta (1903-1964)

Margaret De Patta a été la pionnière de tant d’aspects de la joaillerie d’art que nous voyons aujourd’hui que de nombreuses pièces qu’elle a conçues avant la Seconde Guerre mondiale ont l’air d’avoir été fabriquées hier – par une visionnaire artistique. Si tu n’as pas eu la chance de voir la récente rétrospective de son travail au Museum of Arts & Design de New York, tu peux toujours te procurer le catalogue à couverture rigide publié en octobre dernier.

Espace Lumière Structure : Les bijoux de Margaret De Patta a été l’une de mes acquisitions préférées cette année-là. En ce qui concerne les bijoux d’atelier, une grande partie du travail de De Patta semble si contemporain qu’il est difficile de se rappeler à quel point il devait paraître fou au monde de la bijouterie lorsqu’elle le fabriquait. « Ses bijoux étaient très frais, très avant-gardistes, très choquants pour certaines personnes », déclare Julie Muniz, l’une des auteurs et co-commissaire de l’exposition.

Margaret De Patta étudiait la peinture à l’Art Students League dans le New York des années 1920 lorsqu’elle s’est lancée dans la création de bijoux, et tu peux clairement voir l’influence du début de l’art moderne dans ses bijoux. Elle a créé des pièces cinétiques fascinantes, avec des parties qui pivotent pour transformer le design, et a incorporé des galets de plage ordinaires six décennies avant que cela ne devienne à la mode parmi les bijoutiers d’art.

Mais les bijoux les plus séduisants qu’elle ait fabriqués – ou les « sculptures à porter » comme elle les appelait – sont les « opticuts » qu’elle a conçus avec Francis Sperison, lapidaire de la région de la baie de San Francisco. De Patta a fait des choses étonnantes avec du quartz rutilé, en concevant des cadres métalliques pour refléter les angles des rutilations et en utilisant le quartz lui-même pour créer une distorsion optique.

Il y a beaucoup d’autres femmes qui ont ouvert la voie au monde de la bijouterie tel que nous le connaissons. J’essaierai de les découvrir au fur et à mesure qu’elles apparaîtront dans les ventes aux enchères et les expositions. Je pense que les femmes continueront à jouer un rôle majeur dans la création de bijoux. J’ai interviewé de nombreux créateurs et fabricants masculins talentueux au fil des ans, mais je rencontre beaucoup plus de femmes ces jours-ci.

L’année dernière, j’ai vu une nouvelle génération réactiver un vieux combat pour l’égalité des droits, dont le point culminant a été les millions de personnes qui sont descendues dans la rue partout dans le monde à l’occasion de la Marche des femmes en janvier. (J’ai défilé à Washington DC, avec des hommes et des femmes.) Nous avons parcouru un long chemin, mais il devient évident qu’il nous reste encore du chemin à parcourir. Aujourd’hui, célébrons les visionnaires courageux et talentueux qui nous ont permis d’arriver jusqu’ici.